1001 películas que hay que ver antes de morir

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1001 películas que hay que ver antes de morir

Sir Anthony Hopkins encarna a Alfred Hitchcock

septiembre 6th, 2012 · No Comments · Genera

La película Hitchcock, que empezó a rodarse hace unas semanas en Los Ángeles, está dirigida por Sacha Gervasi, premio al mejor Documental en los Independent Spirit Awards en 2010, y cuenta entre el reparto con Helen Mirren (The Queen), que dará vida a Alma Reville, la esposa del director; Jessica Biel, como la actriz Vera Miles; James Dary como Anthony Perkins y Scarlett Johansson como Janet Liegh, la famosa actriz que protagonizara Psicosis en 1960. De hecho, el filme está ambientado en el rodaje de Psicosis, una de las 1001 películas que hay que ver antes de morir.

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Quizá porque es una de las más famosas de todos los tiempos y con toda posibilidad la película de terror más influyente de la historia. Permuta los seres sobrenaturales del pasado del género (vampiros, hombres lobos, muertos vivientes…) por un monstruo demasiado humano. La película hizo famoso el nombre de Norman Bates y le valió al director su estatus de maestro del suspense.

No obstante, Hitchcock había alcanzado el éxito mucho antes. Como afirman los expertos en 1001 películas…, dos años antes “estaba en la cima del éxito de la crítica y la fama comercial”. Todos sus filmes son memorables. El primero que recomiendan en 1001 películas… es La muchacha de Londres (1929), una película que demostraba “que su talento era lo bastante evidente para que los productores pagaran las innovaciones técnicas”. Los 39 escalones (1935) llegó cuando ya había dirigido 18 películas, pero fue la primera cima clara del período británico de Alfred Hitchcock. Un año después rodó Sabotaje (1936) y en 1940 dirigió Rebeca, filme en el que contó con un generoso presupuesto que se vio traducido con el primer y único Oscar a la mejor película del cineasta.

La sombra de una duda (1943) es considerada por Hitchcock su mejor película, como le confesó a su admirador François Truffaut. En Recuerda (1945), Hitchcock le pidió a Salvador Dalí que diseñara las famosas secuencias oníricas de la película, los sueños que ha tenido Gregory Peck cuando se music charts sometido a la hipnosis. De Encadenados (1946) resulta memorable la brillante interpretación de la pareja Cary Grant-Ingrid Bergman. La soga (1948) llama la atención por su único y teatral decorado y por las tomas de una bobina unidas por cortes tan difíciles de apreciar que casi parece no haber sido montada.

Extraños en un tren (1951) contiene todos los elementos de las películas de Hitchcock: fascinación por el asesinato, enredos y una apenas disimulada tendencia homosexual. La ventana indiscreta (1954) es la fusión más exitosa de entretenimiento, intriga y psicología de la destacada carrera del director. El hombre que sabía demasiado (1956) contiene algunas de las escenas más poderosas del cineasta, cuyo clímax en el Albert Hall es una de las mejores composiciones de Hitchcock. Falso culpable (1956) está basada en un caso real y explora uno de los temas eternos del director: el hombre acusado de un crimen que no ha cometido. Uno de sus filmes más emblemáticos, Vértigo (1958) no fue una película que gustara en la época de su estreno y, sin embargo, es formidable, turbadora, glacialmente romántica, con aceradas imágenes en tecnicolor, momentos evocadores de surrealismo en primer plano y una insistente y experimental banda sonora de Bernard Herrmann.

Con la muerte en los talones (1959) es posiblemente la película más entretenida de Hitchcock, Piscosis (1960) la más perturbadora e impactante, Los pájaros (1963) la más enigmática, Marnie, la ladrona (1964) la más inquietante y Frenesí (1972) la que mejor evoca la fascinación lasciva y el horror genuino en la actitud de los ingleses hacia el asesinato. Pero, si algo tienen en común todos los filmes de Hitchcock, es que son inolvidables y maravillosos.

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‘Brave’, el primer filme de Pixar protagonizado por una mujer

agosto 24th, 2012 · No Comments · Genera

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Los estudios de animación Pixar, desde 2006 subsidiarios de Disney, han optado por una historia de hadas en Escocia como hilo argumental de su última película: Brave (Indomable). Un filme único por muchas razones, pero la más importante por escoger una mujer como protagonista, y, además, pelirroja. Merida, hija del rey Fergus de Escocia, es un espíritu libre y aventurero a pesar de la obsesión de su madre en convertirla en la princesa que debería ser. Una noche, su madre le informa que debe contraer matrimonio con el primogénito del líder de uno de los clanes aliados de su padre, pero Merida no quiere casarse con ninguno de ellos, a pesar de la insistencia de su madre en que eso abocará a su reino al caos más absoluto.

La madrileña Lourdes Hernández (Russian Red) canta en español dos temas de la banda sonora.

El filme, que ha recaudado 300 millones de dólares en Estados Unidos desde que se estrenara el pasado 22 de junio, ha sido también un auténtico éxito en los cines españoles. Aunque por supuesto, resulta muy difícil superar las cifras de precedentes como Toy Story, Up o Buscando a Nemo. La tercera entrega de los juguetes liderados por el vaquero Woody es la que ha obtenido la recaudación más desorbitada, aunque Buscando a Nemo le sigue muy de cerca.

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No obstante, a mi juicio los filmes Wall-E (2008) y Up (2009) son los más memorables de los que ha firmado Pixar, auténticas obras de arte para todos los públicos por su sensibilidad y sus extraordinarias bandas sonoras.

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Los expertos de 1001 películas que hay que list of music charts antes de morir señalan la primera entrega de Toy Story como uno de los filmes que todos los amantes del cine deberían incluir en su filmoteca. Se trata del primer largometraje de gran éxito en taquilla de Pixar. Una película que en 1001 películas… consideran, “francamente, demasiado inteligente y divertida y está maravillosamente hecha para dirigirse únicamente a un público juvenil […]. Un regalo estupendo en forma de cómic, y se convirtió, al instante y merecidamente, en un clásico”.

Lo próximo de Pixar, Monsters University, la precuela de Monsters, Inc., actualmente en fase de producción, cuyo estreno se prevé para junio de 2013.

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‘Blade Runner’, 30 años después

agosto 10th, 2012 · No Comments · Genera

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Han transcurrido treinta años desde que Blade Runner (1982)viera la luz y aún hoy está vivo el debate sobre sus diferentes lecturas. Me encantaría repasar la mención que realiza Joanna Berry en 1001 películas que hay que ver antes de morir a una de las más grandes obras maestras del cine, que ella considera “una de las películas de ciencia ficción con la mejor dirección artística y visualmente más sensacional de la historia del cine”.

La novela en la que se basa, ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, del autor de ciencia ficción Philip K. Dick, fue escrita en 1968. Tardó catorce años en llegar a la pantalla grande, con un presupuesto de 28 millones de dólares, y transcurrió otro decenio antes de que la asombrosa versión cinematográfica de Ridley Scott, Blade Runner, fuera reconocida finalmente como obra maestra del cine de ciencia ficción. Sólo después de que se estrenara la versión del director (Ridley Scott) en 1992 fue bien acogida por la crítica y el público.

Numerosos libros relatan la historia que hay detrás del filme, los problemas de producción debido al poco entendimiento entre Harrison Ford y la coprotagonista (Sean Young), al hecho de que los técnicos portaban camisetas que expresaban la irritación que en ellos causaba el agotador ritmo de trabajo, y, además, Ford y Scott no acababan de congeniar. Pero nada de ello se percibe en el filme, una auténtica obra de arte.

“Aclamada con justicia por su portentoso diseño de producción, la visión que ofrece Scott de la ciudad de Los Ángeles en el año 2019, una ciudad desolada e iluminada por el neón, con calles atestadas de gente y una incesante lluvia ácida, se ha copiado con frecuencia, pero nunca se ha superado”, opina Berry. El detective Rick Deckard (Harrison Ford) se dedica a buscar “réplicas” (androides amotinados que se hacen pasar por seres humanos), al tiempo que, sin darse cuenta, se enamora de una de ellas (Sean Young). “Repleta de simbolismo, Blade Runner ha dado mp3 free music downloads a muchos debates a lo largo de los años, y algunos de sus defensores arguyen que la película trata de religión de forma sublime y citan ejemplos como el hecho de que una de las réplicas, Roy Batty (Hauer), se perfora la mano con un clavo, posiblemente para representar una crucifixión, y que Tyrell (Joe Turkel), el creador de las réplicas, sirve como figura divina y vigila todas sus creaciones”, puntualiza Berry en 1001 películas…

“La soberbia mezcla que hace Scott de ciencia ficción del siglo XXI y cine negro del decenio de 1940 crea una distopía sensacional […]. Una de las razones por las que Blade Runner ha pasado a ser una película de culto es la existencia de más de una versión: la del director tiene escenas complementarias y omite los comentarios en off de Ford junto con el final feliz que impuso el estudio”. Sea como fuere, Blade Runner es una película imprescindible, que debería homenajearse todos los años.

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Sentido adiós al protagonista de ‘Marty’

julio 27th, 2012 · No Comments · Genera

Hoy me gustaría rendir homenaje al excelente actor norteamericano Ernest Borgnine, que falleció el 8 de julio a los 95 años. Hijo de inmigrantes italianos, Borgnine pasará a la historia por el papel de Marty Piletti en la película Marty (1955), que le valió un Oscar imponiéndose sobre actores como Spencer Tracy, Frank Sinatra, James Dean y James Cagney. También obtuvo el Globo de Oro y el Premio BAFTA por ese papel.

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Marty es una de las 1001 películas que hay que ver antes de morir, porque “se cantan las alabanzas de lo cotidiano y la belleza de la vida”. Durante la época de la televisión, Paddy Chayefski escribió Marty para la pequeña pantalla, notable telefilm centrado en la vida corriente de un carnicero soltero, y adaptó el guión para la pantalla grande con Ernest Borgnine como estrella. Poco después, Marty Pilletti se convirtió en un caso célebre por buscar la felicidad fuera de los conformismos de mediados de los cincuenta. Etiquetada como “¡La historia de amor de un héroe anónimo!”, Marty encandiló al público con su relato de un hombre que vive con su madre, la clásica matriarca italiana. La trama es muy sencilla: Yendo de ligoteo con su mejor amigo, Angie (Joe Mantell), conoce a Clara (Betsy Blair) y empiezan a salir. A pesar de los celos de su amigo, y los despectivos comentarios de la señora Pilletti (Esther Minciotti), Marty decide seguir con Clara porque se ha enamorado.

“Descrito así, Marty parece aburrida, pero como retrato de la época, en especial de las neurosis de posguerra sobre la tranquilidad doméstica, es un documento de notable valor sociológico. Dejando al margen la política cultural vigente, la lucha de los solitarios por encontrar aceptación y amor es sin duda un tema interesante”, explica Garrett Chaffin-Quiray en 1001 películas…

Borgnine se inició en el mundo de la interpretación en la Randall School of Drama en Hartford y en la compañía de teatro de Robert Porterfield, dando el primer salto profesional importante en 1949, al debutar en Broadway interpretando a un enfermero en Harvey y poco después su primera película como Bill Street en The Whistle at Eaton Falls (1951). Pero su carrera despegó cuando le dieron el papel download free music for mp3 player sargento Fatso Judson en De aquí a la eternidad (1953), película en la que se peleaba con Maggio, el inolvidable personaje interpretado por Frank Sinatra.

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Poco después interpretó al matón que amenazó a Spencer Tracy en Conspiración del silencio y en los sesenta encarnó al oficial de la Marina Quinton McHale en la serie McHale Navy. En definitiva, un actor inolvidable que conquistó el corazón de millones de espectadores en los años cincuenta y sesenta.

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‘Django Unchained’, puro sabor Tarantino

julio 13th, 2012 · No Comments · Genera

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El gran Quentin Tarantino homenajea en su último filme al género del spaguetti western y, en particular, a su muy admiradoSergio Leone. Con Django Unchained (Django desencadenado), el cineasta de Tennessee cumple su sueño de hacer una película sobre el oscuro pasado de Estados Unidos y, en particular, sobre la esclavitud, pero con un género que siempre le ha fascinado. El protagonista, Django (Jamie Foxx), es un esclavo liberado que viaja por el país junto al Dr. King Schultz (Christoph Waltz), un dentista alemán convertido en cazarrecompensas. Ambos tratan de liberar a Broomhilda (Kerry Washington), la esposa de Django, que se encuentra esclavizada por el malvado Calvin Candie (Leonardo DiCaprio), propietario de una plantación. Samuel L. Jackson también tiene un papel en el filme, como esclavo con ciertos privilegios que se encarará a Django.

A pesar de que Django es el título de un western de 1966 dirigido por Sergio Corbucci, el filme de Tarantino es un auténtico homenaje a Sergio Leone, una influencia que ya se había podido percibir en su anterior película (Malditos bastardos). Los expertos que colaboran en el libro 1001 películas que hay que leer antes de morir recomiendan el western de Leone Hasta que llegó su hora (1968), un filme que presenta a Charles Bronson en el papel de héroe anónimo, apodado Armónica, sediento de venganza, y a Henry Fonda destrozando su imagen de Wyatt Earp, en el papel de asesino de ojos azules y expresión vacía, Frank. “Hasta que llegó su hora es la primera película de Leone que sitúa la violencia en un contexto político, apuntando al corrupto (y tullido) magnate del ferrocarril, destripa la tierra del paisaje y contrata a forajidos serviles para liquidar a los colonos que se resisten […]. Con sorprendentes composiciones de pantalla ancha y una duración épica, se trata de un western que gana puntos por longitud y anchura”.

1001 películas… incluye tres de los mejores filmes del cineasta norteamericano: Reservoir Dogs (1992), Pulp Fiction (1994) y Kill Bill: Vol. 1 (2003). El primero de ellos está plagado “de diálogos inolvidables e interpretaciones estupendas, con un reparto casi totalmente masculino” y cuenta la historia music charts list las sangrientas consecuencias de un fallido atraco a una joyería. “Tarantino escoge las palabras y las acciones de un modo tan inteligente que lo sabemos todo de cada personaje, sin importar lo triviales que sean los diálogos. Un excelente debut de uno de los talentos cinematográficos más destacados de los noventa”, se puede leer en 1001 películas

Ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes en 1994, Pulp Fiction “es un cajón de sastre de relatos criminales interrelacionados y entrelazados, paraíso de los teleadictos, inteligente y enormemente entretenida. Saca la mayoría de sus golpes de efecto, aparte de su inteligente estructura, de alusiones y ecos de otras cintas y programas de televisión”, explica el también colaborador de Cahiers du cinémaJonathan Rosenbaum.

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Con el primer volumen de Kill Bill, “Quentin Tarantino silenció a quienes aventuraban que había perdido la inspiración y el toque mágico después de un paréntesis de seis años sin escribir ni dirigir. También consiguió defender su título de rey contemporáneo del cine de autor posmoderno”.

En Django Unchained (Django desencadenado) se intuye un filme al más puro estilo Tarantino, plagado de diálogos mordaces, humor ácido y violencia, que podrá verse en España a finales de diciembre.

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‘Harold and Maude’, imprescindible película de culto

junio 28th, 2012 · No Comments · Genera

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Harold and Maude (1971) es una de las películas imprescindibles de la década de los setenta. Divertidísima y triste a la vez, esta comedia negra tiene por protagonista a Harold (interpretado por un excelente Bud Cort), un joven de buena familia cuya fascinación por la muerte le conduce a simular todo tipo de suicidios, cada uno de ellos tan extravagante como hilarante. La absoluta indiferencia de su gélida madre (Vivian Pickles) ante la imagen de Harold colgado con una soga al cuello, flotando en la piscina boca abajo o en el suelo tras “pegarse un tiro” delante suyo es probablemente lo más conmovedor del filme. Casi más que el trágico final que se intuye con cada frame.

“Actualmente, la etiqueta película de culto es un truco publicitario para vender películas independientes o películas importantes que flirtean con distintas subculturas”, explica el experto cinematográfico Michael Tapper en 1001 películas que hay que ver antes de morir. Y continúa: “Sin embargo, Harold and Maude lo es verdaderamente, pues combina el talento en la dirección del antes montador Hal Ashby con las excéntricas personalidades de sus principales actores, Bud Cort y Ruth Gordon”. Cort, de veintiún años, acababa de interpretar su primer papel principal como el hijo obsesionado con volar en El volar es para los pájaros (1970), de Robert Altman. La ex guionista de Gordon, de setenta y seis años, tenía una serie de papeles secundarios memorables tras de sí en la década de 1960, el más conocido la bruja de Manhattan de La semilla del diablo (1968), de Roman Polanski, premiado con un Oscar.

En el filme, el joven Harold sólo logra superar su depresión al conocer en un funeral (como no podía ser de otra manera) a Maude, una mujer de 79 años que no teme a la muerte, pues es una superviviente de los campos de concentración nazis (lo que se descubre gracias al fugaz plano del número tatuado del brazo) y que está dispuesta a morir justo el día en que cumpla 80 años. “La peculiar química entre ambos hip hop artist list convirtió en una pareja romántica, simpática e inolvidable que desafía los tabús de la juventud, la vejez, el sexo, la muerte y la felicidad”, apunta Tapper.

Ganadora de la Espiga de Oro a la mejor película, Harold and Maude fue también rompedora para su época, ya que el vínculo sexual entre los protagonistas es la clave del filme, “aunque a varios de los personajes y posiblemente a muchos de los espectadores les parezca repugnante”. Con la excepcional música de Cat Stevens, Johann Strauss y Chaikovski como telón de fondo, la película conduce al espectador a un esperado (pero temido) final.

En la última escena, “Maude se prepara para morir en su octogésimo aniversario, y la inclinación hacia la juventud es sustituida por la percepción existencial de que la muerte sea, en última instancia, aquello que da sentido a la vida”.

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Reinventando a Godard

junio 14th, 2012 · No Comments · Genera

La fotografía es la verdad. El cine es la verdad veinticuatro veces por segundo.

La Virreina Centro de la Imagen de Barcelona acoge la exposición Número tres. De la casa a la fábrica, procedente del Centro Nacional de Artes Plásticas de Francia, hasta el próximo 30 de septiembre. Esta exposición reúne cuarenta obras, fotografías, vídeos e instalaciones realizadas entre 1978 y la actualidad, con el objetivo de actualizar las formas, las ideas y las figuras inventadas por el cineasta francés Jean-Luc Godard en su película Número dos. Este filme, rodado en 1975 junto a Anne-Marie Miéville parte del tema de la fusión entre casa y fábrica. En esta película del fundador de la Nouvelle vague, Godard mostraba la vida doméstica de tres generaciones de una familia proletaria en un piso de protección oficial, con el objetivo de invitar al espectador a “pensar la casa en términos de fábrica”.

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El itinerario hace un recorrido de la casa a la fábrica, de la intimidad al trabajo, con representaciones contemporáneas de la vida doméstica. Los problemas señalados en Número dos se han acentuado y reformulado bajo el impacto de la mundialización. Los comisarios Pascal Beausse y Pascale Cassagnau han optado top rap albums mostrar el trabajo de 17 artistas en lugar de centrarse en un solo artista. El periódico El País recoge unas interesantes declaraciones de los comisarios: “La exposición quiere actualizar las formas, ideas y figuras inventadas por Godard, así que su recorrido se propone como un trayecto desde la casa al trabajo, desde la esfera íntima a la pública. Queremos poner de manifiesto que, aunque las estructuras de pareja, familia, economía y sociedad han evolucionado profundamente, nos encontramos reformulando las problemáticas evocadas hace 40 años en Número dos”.

Número dos se inicia con unas letras electrónicas: Numéro2/Essai titres (Número 2 / Prueba títulos). Después se sucede un montaje de imágenes como si de una instalación audiovisual se tratara. Unas cuantas cámaras recogen distintas imágenes en el estudio (“fábrica”) de Godard, distintas cintas de vídeo encuadradas en un plano fijo por la cámara de 35 mm. La exposición reúne obras de Robert Adams, Darren Almond, Maria Thereza Alves, Joël Bartoloméo, Yves Bélorgey, Claire Chevrier, Philippe Durand, Harun Farocki, Pierre Faure, Cécile Hartmann, Guillaume Janot, Valérie Jouve, Francis Morandini, Jean-Luc Moulène, Marc Pataut, Mika Rottenberg, Paola Salerno, Allan Sekula y Bruno Serralongue.

Aunque Número dos fue una película revolucionaria por la crudeza a la hora de reflejar los conflictos de una época, los expertos de 1001 películas que hay que leer antes de morir recomiendan los siguientes filmes, todos y cada uno de ellos absolutamente imprescindibles, del cineasta francés: Al final de la escapada, Vivir su vida, El desprecio, Lemmy contra Alphaville, Pierrot el loco, Deux ou trois choses que je sais d’elle y Weekend.

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El ‘amor’ en la vejez se lleva la Palma

junio 1st, 2012 · No Comments · Genera

El cineasta alemán Michael Haneke se ha alzado con la Palma de Oro en el Festival de Cannes con su película Amor. Su estilo turbador y oscuro sigue impactando como desde sus primeros filmes. Y eso que en esta edición ha presentado su película más tierna, como se deduce del propio título: Amor, se trata del drama sobre un anciano matrimonio, George y Anne, que se centra en su sufrimiento cuando a ella le va consumiendo una enfermedad. La cinta transcurre casi exclusivamente en el apartamento en el que vive la pareja, un espacio ideal que permite lucirse a los veteranos actores Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva.

Ambos están impecables, aunque me resulta especialmente fascinante Emmanuelle Riva, sobre todo porque tengo grabada en la retina su estelar interpretación en Hiroshima mon amour (1959), de Alain Resnais. El tercer personaje del filme es la hija de la pareja, interpretada por Isabelle Huppert, actriz fetiche de Haneke.

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Aunque las películas del cineasta de Munich Código desconocido y Caché merecen una mención, no cabe duda de que Funny Games (1997), La pianista (2000) y La cinta blanca (2009)son los máximos exponentes de su carrera cinematográfica. Ésta última, ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes, es una obra maestra en blanco y negro, sobre hechos perturbadores que abruman a un pueblo protestante del norte de Alemania en vísperas de la Primera Guerra Mundial.

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En el año 2000, Isabelle Huppert protagonizó La pianista, la excepcional y oscurísima película sobre una profesora de piano que vive con su madre ocultando top rock albums macabra doble personalidad con ciertas obsesiones sexuales perturbadoras. Basada en la novela de Elfriede Jelinek, obtuvo el Premio del Jurado en Cannes.

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Funny Games, nominada a la Palma de Oro en Cannes, está incluida en la selección de 1001 películas que hay que ver antes de morir. “Michael Haneke lleva a los espectadores al límite obligándonos a presenciar el sinsentido de la violencia gratuita y nuestra fascinación inagotable por contemplarla en pantalla”, apuntan los expertos.

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Cierran los emblemáticos Cines Renoir de Palma

mayo 17th, 2012 · No Comments · Genera

Los emblemáticos Cines Renoir de Palma de Mallorca cierran sus puertas tras quince años ofreciendo una selección del mejor cine independiente en versión original. En un comunicado de prensa, Cines Renoir aseguró que tras ocho años de pérdidas la situación era insostenible y “no hay otra solución posible”. También han cerrado sus puertas los Renoir de Zaragoza, sumándose así al cierre en Bilbao de dichas salas dos años atrás.

La digitalización de los proyectores a la que se ven obligadas las salas de cine debe producirse en un tiempo limitado, renovando además las pantallas, que suponen una inversión de 100.000 euros por pantalla, de ahí que los responsables de los cines de Palma se hayan visto forzados a renunciar a este proyecto único, que gozaba de una gran reputación entre los amantes del cine y los residentes foráneos.

Los últimos filmes que se emitieron en las míticas salas de Palma fueron La pesca del salmón en Yemen, Cumbres borrascosas, El exótico Hotel Marigold e Intocable. Acudí a ver La pesca del salmón en Yemen, del cineasta sueco Lasse Hallström, bien conocido por sus películas ¿A quién ama Gilbert Grape? y Las normas de la casa de la sidra. El filme fue estupendo, con buenas dosis de humor británico y algo top latin albums amor, como no podía faltar en una comedia romántica. Pero abandoné con nostalgia la sala, a sabiendas que probablemente sería la última película que vería allí.

Sólo han sobrevivido los cines Renoir de Madrid, Barcelona, Tenerife y Guadalajara, desde que nacieran en 1986 con el objetivo de “proyectar cine independiente y en versión original subtitulada”, pero, sobre todo, películas de calidad. Los aficionados al cine y los amigos de los Renoir homenajearon las salas con una concentración el pasado domingo 6 de mayo, dos días antes de su cierre definitivo, que se produjo el martes 8 de mayo. Abrumados por el apoyo popular, los responsables de los Renoir de Palma han creado la página “Salvem els Renoir” (Salvemos los Renoir), con el objetivo de buscar alternativas viables a la supervivencia del cine de calidad en Mallorca.

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‘Titanic’: épica, producción y taquilla estratosféricas

mayo 3rd, 2012 · No Comments · Genera

El pasado mes de abril se conmemoró el centenario del naufragio del Titanic con la emisión en 3D de la película que dirigió James Camero en 1997. Una ceremonia en el cementerio de Fairview Lawn de Halifax, donde están enterradas 121 víctimas del hundimiento del buque, puso punto final a los actos conmemorativos del fatídico suceso.

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El éxito de la emisión en tres dimensiones del filme ha superado cualquier previsión, recaudando más de 146 millones de dólares, paradójicamente 58 millones de ellos en el primer titanic soundtrack de semana de exhibición en China. Y eso pese a que las autoridades chinas habían censurado la emblemática escena en la que la protagonista, Rose (Kate Winslet), aparece desnuda sobre el diván posando para Jack (Leonardo DiCaprio).

En el filme, considerado una de las 1001 películas que hay que ver antes de morir, Kate Winslet interpreta a Rose, la joven que va a contraer matrimonio con el ruin Cal (Billy Zane), pero se enamora de un pasajero de tercera clase (Leonardo DiCaprio) antes del hundimiento del transatlántico. A juicio de la crítica Joanna Berry, “la visión de Cameron es una mezcla entre La aventura del Poseidón y Vacaciones en el mar, ya que se explora en la misma medida el amor y la catástrofe marítima”. Desde el rodaje de Titanic, Kate Winslet y Leonardo DiCaprio estrecharon el vínculo que les unía convirtiéndose en grandes amigos, una relación que aún hoy mantienen viva. Volvieron a unirse en el rodaje de Revolutionary Road (2008), dirigida por el marido (por aquel entonces) de Kate Winslet, Sam Mendes. Tan buena es la relación entre los actores, que los hijos de ella le llaman cariñosamente Uncle Leo (tío Leo).

Con un presupuesto de más de 200 millones de dólares, antes de su estreno se hizo con el dudoso honor de convertirse en la película más cara de todos los tiempos. Buena parte de este dinero se invirtió en seis meses de rodaje en México, en el que se utilizó una réplica de 270 metros del famoso barco que se hundió al chocar contra un iceberg en 1912. Fue un rodaje saturado de problemas, incluyendo retrasos la filmación porque el equipo y el reparto sufrieron una intoxicación alimentaria en Nueva Escocia. También se rumoreaba el excesivo perfeccionismo de Cameron, que llegó a contratar a las mismas empresas que habían proporcionado el mobiliario al Titanic para supervisar hasta el más mínimo detalle.

A raíz del increíble éxito de taquilla de la película (más de mil millones de dólares que ahora ya superan los dos mil millones) y el mayor número de Oscar recibidos por una misma película desde Ben-Hur (1959), Cameron fue rebautizado como genio, considerado en la actualidad como uno de los directores más exitosos de todos los tiempos.

“Un bombazo donde los haya, Titanic convirtió a DiCaprio en superestrellas y un guaperas adolescente. En términos de producción y escala épica, Titanic es una de las películas más impresionantes de todos los tiempos”, concluye Berry en 1001 películas…

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