1001 películas que hay que ver antes de morir

La muerte de cualquier hombre me hace sentir más pequeño, porque tengo un compromiso con la humanidad. Por eso nunca intento averiguar por quién doblan las campanas. Están doblando por ti. Así comienza uno de los films más emblemáticos de la década de los cuarenta por personajes tan inolvidables como el de la gitana Pilar, por el que Katina Paxinou obtuvo el Oscar a la mejor actriz de reparto.

Lo vi el otro día, porque ya echaba de menos el papel estelar de Ingrid Bergman en Stromboli (1950). Así que me decidí por Por quién doblan las campanas (1943), una película por la que la intérprete sueca fue candidata al Oscar a la mejor actriz. El film se basa en la novela homónima de Ernst Hemingway, que sufrió en sus propias carnes los episodios más cruentos de la Guerra Civil española.

Tráiler de ‘Por quién doblan las campanas’

Precisamente, el film relata las aventuras de Robert Jordan (el siempre increíble Gary Cooper), un norteamericano experto en demoliciones a quien los republicanos encargan la misión de demoler uno de los puentes más estratégicos para el bando nacional. Adentrándose en los abruptos montes conoce a un grupo de republicanos, entre los que se encuentra María (Ingrid Bergman), Pilar (Katina Paxinou) y su marido Pablo (Akim Tamiroff).

Enseguida Robert y María estrechan su relación, que acaba por convertirse en uno de los romances más bellos del cine, fruto no únicamente de los dos excelentes actores, sino también del uso que Sam Wood hace de los primeros planos en los momentos más emocionales. Quizá el director norteamericano aprendió a sacar partido a los intérpretes cuando trabajó con los Hermanos Marx en films como Una noche en la ópera (1935), una de las 1001 películas que hay que ver antes de morir, porque “era y es todavía una película divertidísima”, a juicio de sus críticos.

Y, a pesar de ello, la interpretación de Bergman carece de la fuerza y la intensidad de la actriz en Stromboli, un papel en el que la presencia del director y también amante de Bergman, Roberto Rossellini, probablemente tuvo mucho que ver.

Escena romántica en ‘Por quién doblan las campanas’

Después del éxito de taquilla y crítica de El caballero oscuro, Christopher Nolan nos presenta en su nuevo film de ciencia ficción Origen un variado elenco de personajes interpretados por Leonardo DiCaprio, Ken Watanabe, Joseph Gordon-Levitt, Michael Caine, Cillian Murphy, Tom Berenger y Marion Cotillard, que navegan por el inquietante y fascinante mundo de los sueños. Sin pretensión de desvelar nada, os recomiendo el espectacular tráiler de la película, tan bien resuelta como ágil (las casi dos horas y media que dura se pasan volando):

Tráiler de ‘Origen’

A mi juicio, desde Memento no había disfrutado de la esencia del cine de Nolan; pero gracias a este perturbador y a la vez lúcido film parece que el director británico haya regresado a sus orígenes. Memento, el segundo film del cineasta, es la película con el montaje más brillante que he visto nunca. Se trata de una de las 1001 películas que hay que ver antes de morir, porque, como apuntan los críticos de este libro, “resulta memorable la forma de contar la historia”, no la historia en sí misma.

Tráiler de ‘Memento’

Este moderno film noir se nos cuenta a trompicones, ya que las escenas aparecen en orden cronológico inverso y luego avanzan de nuevo, prestando una información que tiene sentido cuando conocemos otra fase del argumento. Mediante la alteración cronológica de las escenas, que en manos de otro habría resultado un truco molesto, Nolan desvela el misterio de un asesinato mal enfocado, donde el héroe ignora si sus hechos son “los hechos”.

         El actor australiano Guy Pearce interpreta a Leonard, un ex investigador de seguros descarado que lleva buenos trajes y conduce coches buenos, pero se aloja en moteles baratos de acuerdo a su condición de detective. Sufre amnesia anterógrada, consistente en la incapacidad de guardar nuevos recuerdos en la memoria a largo plazo del que la padece, lo que obliga al protagonista a controlar sus actos mediante anotaciones e instantáneas, tatuándose en el cuerpo las “verdades” más importantes. Su objetivo es vengar la violación y asesinato de su mujer, una tarea francamente difícil ya que cuenta con una única e insignificante pista. Leonard desconoce si la gente que le rodea, como su amante (Carrie-Anne Moss) o Teddy (Joe Pantoliano), son sus amigos o el propio asesino.

         Un intrincado hilo argumental que se hace y deshace de forma aparentemente ilógica y que acaba por conducir al espectador, como en Origen, a un final tan sorprendente como emocionante.

Eran las 22.00h de un martes en el Parc de la Mar de Palma de Mallorca, frente a la catedral que preside la entrada a la ciudad ante el Mediterráneo. Estaba a punto de exhibirse en el ciclo de Cine a la fresca la película de terror más influyente de la historia del celuloide, ésa que monopoliza la cubierta del libro 1001 películas que hay que ver antes de morir. Ésa en la que Marion Crane (Janet Leigh) gritaba aterrorizada bajo el chorro de agua de la ducha en la que estaba siendo acuchillada a sangre fría por un sujeto paranoico. Psycho (Psicosis), la tituló Alfred Hitchcock, probablemente el título más apropiado que se le ha puesto nunca a un film.

Tráiler de Psycho

Estrenada en una época de excelente producción cinematográfica italiana (La aventura, La dolce vita), francesa (Al final de la escapada, Los cuatrocientos golpes, Hiroshima mon amour) y norteamericana (Con faldas y a lo loco, Anatomía de un asesinato), Psycho “permuta los seres sobrenaturales del pasado del género (vampiros, hombres lobo, muertos vivientes y cosas por el estilo) por un monstruo demasiado humano”, llamado Norman Bates.

El film cuenta la historia de Marion Crane (Janet Leigh), una atractiva joven que roba cuarenta mil dólares de su lugar de trabajo. Huyendo de la ciudad, conduce por la noche bajo la lluvia y se detiene en un motel algo alejado de la autopista que regenta un guapo joven, llamado Norman (Anthony Perkins). En un sorprendente giro, Marion es apuñalada por una anciana mientras se da una ducha en su habitación. Aunque fue en esta escena donde se hizo más famosa la banda sonora del film (quién no asocia el mítico tema con la escena de la ducha), a mí me parecen mucho más estimulantes las composiciones que acompañan la escena de la conducción de Marion, por ejemplo, por su fuerza narrativa (podéis escucharlas en la primera parte de este vídeo):

BSO Psycho

Aunque la banda sonora compuesta por Bernard Herrmann es uno de los pilares de la película, lo que hace de Psycho una película inolvidable es la capacidad de Hitchcock de humanizar la monstruosidad: “Este cineasta de origen británico había encontrado un modo de incidir claramente en la psique colectiva estadounidense: haciendo un monstruo tan normal y al unir sexo, locura y asesinato en un cuento escabroso y sórdido”, explican los críticos de 1001 películas…

A medianoche, cuando terminó la película en el Cine a la fresca, todos los espectadores comentaban la película. “No me acordaba del final”, “es para volverse loca”, se oía. Ése era el objetivo del director norteamericano: contagiar a los espectadores de la psicosis del protagonista. En el film, aunque un psicólogo de la policía (Simon Oakland) explica la causa de la enfermedad de Norman al final de la película, “poca duda queda de que sus auténticas motivaciones van más allá de la comprensión de las mentes racionales”. Aún hoy resultan inexplicables ciertas conductas del ser humano. Pero siempre nos quedarán películas como Psycho para retratar y eternizar las complejidades del hombre.

Escena final de Psycho

Aceptar realizar una superproducción como Airbender: el último guerrero ha sido todo un reto para el cineasta indio M. Night Shyamalan. Y hablo de reto porque debe resultar francamente complicado conjugar la producción de un film tan ambicioso con unos críticos despechados que desde La joven del agua (2006) y El incidente (2008) parecen no querer dar tregua al director de 39 años.

No obstante, a mí particularmente sí me gustó El incidente, de hecho bastante más que La joven del agua o El bosque (2004), ambas películas que si no tuvieron el éxito esperado en taquilla fue debido probablemente a una mala promoción en sus tráilers. El bosque, en particular, un film que oscilaba entre el thriller y el género de aventuras, se presentó en el tráiler como una película terrorífica, con una banda sonora de miedo. Y el espectador que acudía al cine a pasar miedo salía absolutamente defraudado. Para los que hayáis visto la película, si le echáis un vistazo al tráiler entenderéis a qué me refiero:

Tráiler de ‘El bosque’

Pero por supuesto, para la gran mayoría de los amantes del cine, El sexto sentido (1999) se constituye como la mejor película del director indio, a pesar de que la realizó cuando tenía tan sólo 29 años. El sexto sentido es una de las 1001 películas que hay que ver antes de morir, porque se trata de un film “de fantasmas con toda su envergadura” y que, además, “funciona en diferentes sentidos”. Al cabo de un año de recibir un disparo de un paciente, el psicólogo infantil Malcolm Crowe (Bruce Willis) trata el problema de un niño atormentado, Cole (Haley Joel Osment). Al parecer, Cole ve muertos: fantasmas de aquellos que han dejado asuntos pendientes y que lo visitan buscando la solución. Entretanto, la vida de Malcolm es un desastre, y su matrimonio con Anna (Olivia Williams) resulta frío y distante. La originalidad de la película reside en que más que un film de suspense estamos ante un drama emocional centrado en la relación entre niño y psicólogo, entre Malcolm y su mujer, y entre Cole y su madre (Toni Collette).

La crítica de cine Joanna Berry asegura en 1001 películas… que “Shyamalan merece los mayores elogios por reunir los diferentes elementos de la película. El inteligente uso amortiguado del color, los atisbos sutiles de lo que va a suceder y el final inesperado se han realizado con evidente maestría y, aunque el público ha sido engañado, se replantea la película dos, tres, cuatro veces, en lugar de sentirse irritado porque lo han llevado por un camino distinto al que inicialmente pensaba”.

Airbender: el último guerrero, película de fantasía basada en la serie de anime Avatar: la leyenda de Aang, ha sido todo un éxito de taquilla en lo que llevamos de verano en Estados Unidos. Esperemos que también lo sea en España a partir del 6 de agosto, el mismo día en el que Shyamalan celebrará su 40 cumpleaños.

Tráiler ‘Airbender: el último guerrero’

Toy Story (1995) fue el primer largometraje de gran éxito en taquilla de Pixar, la productora que a continuación haría Bichos (1998), Monstruos, S.A. (2001), Wall-E (2008) o Up (2009), entre otras maravillas, todas ellas número uno en las listas de películas más vistas. Los críticos de 1001 películas que hay que ver antes de morir consideran que este film “es, francamente, demasiado inteligente y divertida y está maravillosamente hecha para dirigirse únicamente a un público juvenil”.

Andy, de seis años, ignora que sus juguetes cobran vida cuando sale de su habitación. Dirigidos por Woody (voz de Tom Hanks), un vaquero que siempre ha sido el favorito de Andy, los juguetes (Bo Peep, el señor Patata y Rex, el dinosaurio) se reúnen a esperar la fiesta de cumpleaños de Andy, donde quizá le regalen –¡Oh, no! – un nuevo juguete que le guste más que todos ellos. Y Andy recibe el juguete más “superguay” de todos: Buzz Lightyear (Tim Allen), un guardián del espacio con un equipo de artilugios de alta tecnología. Woody tiene que librarse de Buzz para volver a ser el favorito de Andy, y sus maquinaciones les llevan a los dos a correr un terrible peligro en el mundo exterior.

“Se trata de un guión lleno de ingenio (los autores incluyeron a Joel Coen y a Joss Whedon, el creador de Buffy, la Cazavampiros), y una animación magnífica, casi en tres dimensiones, y hay que sumar las caracterizaciones perfectas de Hanks y Allen. Esta cinta es un regalo estupendo en forma de cómic, y se convirtió, al instante y merecidamente, en un clásico”, concluye 1001 películas…

La tercera parte de Toy Story, que el próximo 23 de julio se estrenará en nuestras salas, ha sido muy bien acogida tanto por la crítica como por el público. Recaudó 88,4 millones de euros en su primer fin de semana de exhibición en Estados Unidos, superando el récord de recaudación en tres días que hasta ahora ostentaba Shreck 3.

Ya han pasado quince años entre el primer título y éste último, y la mayor diferencia se encuentra en que el público se ha dado cuenta de que no es una película exclusivamente para niños. Al contrario, cuenta con un guión muy inteligente que puede tener diversas lecturas (como en el caso de Up) y es capaz de satisfacer a los espectadores más exigentes. Y si no, echad un vistazo a la aparición estelar de Ken, el novio de Barbie, en el vídeo de a continuación:

Aparición estelar de Ken

Tráiler de ‘Toy Story 3’

Julio Medem siempre me ha parecido un director muy interesante. Los amantes del círculo polar (1998) y Lucía y el sexo (2001) son películas excelentes, dignas a tener en cuenta entre el mejor cine español. No obstante, cuando el director donostiarra estrenó Caótica Ana tras seis años sin rodar ningún largometraje, el buen concepto que tenía de su cine se volatilizó por sus ansias de poetizar cada instante del film. Lo mismo me ha sucedido con Habitación en Roma, una película prometedora, pero que se queda en eso, en promesas.

Prometía un guión excelente, cómo no iba a serlo con el contexto que se nos presentaba: la española Alba (Elena Anaya) y la rusa Natasha (Natasha Yarovenko) se conocen en Roma y, unidas por una fuerte atracción, comparten una noche de hotel. El mismo argumento que el que utilizó el director chileno Matías Bize en su film En la cama (2005), en el que dos jóvenes alquilan una habitación de motel tras conocerse en un café. Sin embargo, Bize jugaba francamente bien con el ritmo de la película, con los momentos de relajación, de conversación, de tensión sexual, de ternura y de confesiones. En la cama era un vaivén de emociones y de sensaciones.

En cambio, Habitación en Roma empieza de forma brillante, con unos planos que recuerdan a la genial estética de Wong Kar-wai, con una iluminación maravillosa, con una gran presentación de los personajes entrando en plano cenital por el suelo empedrado de Roma y saliendo de él para adentrarse en un plano aéreo en la habitación del hotel, pero a los diez minutos se terminó lo que se daba. Las protagonistas inician conversaciones excesivamente poéticas, con simples referencias a la historia del arte que podrían haberse obviado y que conducen al espectador a pensar que se trata de pura presunción del guionista.

Las escenas eróticas, en lugar de ir in crescendo, se plantean desde el principio con tal intensidad que a la mitad del film el espectador está saturado. El propio cartel de la película, en el que las protagonistas aparecen envueltas por elementos de la naturaleza, sugiere matices oníricos, que se nos presentan en un único plano que produce hilaridad más que turbación. Por no hablar de las claras referencias a Ágora, de Amenábar, en los planos satélite utilizados (de Google maps). Y eso que a mí el Amenábar del principio, con Tesis o Abre los ojos (éste último, film recomendado por los críticos de 1001 películas que hay que ver antes de morir), me encantaba. Sin duda, lo mejor de Habitación en Roma es el tema Loving Strangers de Russian Red, canción principal de la banda sonora. Os recomiendo el tráiler musical del film:

Tráiler musical de ‘Habitación en Roma’

Cinco minutos, más que de gloria, de rencores, de ansias de venganza, de arrepentimientos, de redenciones. Los que comparten Joe Griffin (James Nesbitt) y Alistair Little (Liam Nesson) ante las cámaras de un sensacionalista programa de televisión irlandés. Lo atractivo de este encuentro es el hecho de que Alistair matara durante su adolescencia (33 años atrás) al hermano mayor de Joe en su presencia, un asesinato que se produjo fruto de la ignorancia tejida por los largos tentáculos del terrorismo en Irlanda del Norte.

El cineasta Oliver Hirschbiegel logra en Cinco minutos de gloria humanizar al terrorista, al presentar a un Little adulto convertido en un respetado mediador de conflictos con una imagen absolutamente inmaculada y pasmosamente tranquila. Lo más atractivo del film es el vínculo que se crea entre la víctima, ansioso de venganza, y el asesino, que trata de redimirse de su conciencia de culpa buscando el perdón del otro. La película está dotada de un ritmo excelente, logrado gracias a la presentación del asesinato, a continuación el encuentro televisivo entre los protagonistas y, finalmente, el desenlace, que, aunque predecible, sentencia una relación inevitablemente tortuosa.

Pero remontémonos a los precedentes cinematográficos de Hirschbiegel para comprender esta nueva visión del terrorismo irlandés. Su película más importante fue El hundimiento, muy aclamada por la crítica. Lourdes Monterrubio escribe en la revista Cahiers du cinéma que “con El hundimiento (2004) [Hirschbiegel] demostró su competencia para liderar un proyecto tan complejo como el de la crónica de los últimos días de la vida de Hitler, en la que podría ser su mejor película hasta el momento”.

También es el film del director alemán más destacado por los críticos del libro 1001 películas que hay que ver antes de morir. El hundimiento es la primera película alemana que plasma a Adolf Hitler en una narración convencional, que relata los últimos días del dictador (interpretado por Bruno Ganz) y su círculo íntimo. A pesar de que se temía que el film humanizara el Tercer Reich y a sus enajenados artífices, quitando importancia a sus horribles actos, esta película logra precisamente todo lo contrario: “La plasmación prosaica, turbadora y desconcertante” de un líder que despotrica, engatusa, racionaliza y se lamenta de la pérdida de su utopía de ficción científica, es la clave de la brillantez de El hundimiento.

Precisamente en el tratamiento del personaje “despreciable” es en lo que se asemejan El hundimiento y Cinco minutos de gloria. Aunque a diferentes escalas, la monstruosidad de estos personajes reside en la conciencia de que, aunque viles, son seres humanos. Echad un vistazo al tráiler, realmente vale la pena.

Tráiler de ‘Cinco minutos de gloria’

Después de Amores perros, 21 gramos y Babel, el director mexicano Alejandro González Iñárritu nos acerca su nuevo film Biutiful, recientemente presentado en el Festival de Cannes, donde ha recibido críticas de diversa índole. Javier Bardem es el máximo protagonista y el pilar de la película, hasta tal punto que el periodista de El País Borja Hermoso llega a afirmar que Biutiful “muy probablemente no sería nada” sin el actor español. Todo apunta a que se lleve el premio al Mejor Actor en Cannes.

         En esta ocasión, el director ha optado por dejar atrás las complejas historias interconectadas de sus anteriores películas para adentrarse en un único protagonista, Uxbal, que lucha por mantener el amor en sus relaciones familiares a la vez que se enfrenta a la miseria de Barcelona. A pesar de la gran decepción que le causó el film al crítico de cine Carlos Boyero, todos los amantes del celuloide coinciden al afirmar que se trata de una de las mejores interpretaciones de Javier Bardem.

El crítico norteamericano Joshua Klein destaca en 1001 películas que hay que ver antes de morir el film Amores perros (2000), que marcó el debut cinematográfico del director mexicano y, “aunque no ofrece nada particularmente nuevo, consigue inyectar a los conocidos escenarios energía, humor, inteligencia y calidez”. Dividida en tres partes, cada una de ellas ilustra la crueldad del hombre para con el hombre a través de su trato a los animales. La dureza de las imágenes apunta directamente a una influencia tarantiniana, ya que Amores perros demuestra que para el año 2000, “el modelo estilizado de violencia de Tarantino y sus tramas embrolladas habían traspasado la frontera sur de Estados Unidos y habían llegado a México”.

         También 21 gramos (2003) cuenta con diversas líneas argumentales, aunque en esta ocasión giran alrededor de un trágico accidente de tráfico. El reparto nuevamente es excelente; Sean Penn, Naomi Watts y Benicio Del Toro fueron nominados en sus respectivas categorías en diversos festivales de cine. En 2006 se estrenó Babel, otra película compleja, protagonizada en esta ocasión por Brad Pitt, Cate Blanchett, Gael García Bernal y Koji Yakusho. Este film se llevó el Globo de Oro en Berlín, aunque pasó bastante desapercibida en los Oscar. La película enlaza de forma brillante las vidas de cuatro grupos de personas unidas por el descuidado disparo de un par de niños marroquíes. La conexión que las une, sin embargo, no implica comunicación, de ahí el drama de la película, que relata a la perfección la incapacidad humana de comunicarse con su entorno.

\'Biutiful\'

Ganador de la Concha de Oro en el Festival de Cine de San Sebastián en 2004 por su preciosa película Las tortugas también vuelan y en el año 2006 por Half Moon, regresa el director de cine iraní Bahman Ghobadi con su film Nadie sabe nada de los gatos persas. La película relata las peripecias de dos jóvenes músicos que tratan de grabar un disco, realizar un concierto y conseguir los visados necesarios para abandonar Irán. Presente en la Sección Oficial del Festival de Cannes de 2009, Nadie sabe nada de los gatos persas exhala sentido del humor y optimismo, a pesar de reflejar los choques constantes entre una cultura tradicional y las ansias de sus jóvenes de absorber música con tintes occidentales.

         El cineasta, muy querido en España y repudiado por el gobierno de Ahmadineyad por su firme oposición a las políticas conservadoras del líder iraní y del régimen ayatolá, Ghobadi es un ferviente luchador por la justicia en el país persa.

         Aunque menos conocido que el cineasta Abbas Kiarostami o que la familia de genios del cine Makhmalbaf, Ghobadi es uno de los emblemas del país. Como actor participó en el film de Kiarostami El viento nos llevará (1999), una película preciosa que relata las aventuras de un grupo de gente que llega a un pueblo del Kurdistán para iniciar un rodaje. Sin embargo, los habitantes del pueblo desconocen por qué se encuentran allí y, al verles pasear por el cementerio, deducen que están buscando un tesoro.

         El cine de Kiarostami es en cierta medida costumbrista, su pasión por mostrar los vastos paisajes iranís y a sus gentes han hecho de él el cineasta más internacional de su país. El excelente crítico de cine Jonathan Rosenbaum se atreve a asegurar en el libro 1001 películas que hay que ver antes de morir que Kiarostami “es uno de nuestros mejores realizadores y, sin duda, el mejor de Irán”. Sin poner en tela de juicio esta afirmación, considero que el cine de Ghobadi es mucho más emocional (cualquiera que haya visto Las tortugas también vuelan me comprenderá) y, a pesar de que Nadie sabe nada de los gatos persas abandona los derroteros trágicos que recorría Las tortugas…, las dosis de humor y la plasmación de la realidad social iraní son ingredientes más que suficientes para ir a verla y, si es posible, mejor en versión original.

Tráiler de ‘Nadie sabe nada de los gatos persas’

La 63 edición del Festival de Cannes, que se celebrará del 12 al 23 de mayo, se presenta este año con un sabor muy europeo y poca presencia norteamericana. Eso sí, se abrirá con la película de Ridley Scott Robin Hood, que protagoniza el actor neozelandés Russell Crowe. También el neoyorquino Oliver Stone presentará fuera de concurso la película protagonizada por Michael Douglas Wall Street: El dinero nunca muere.

         La presencia española más destacada viene de la mano de la película Biutiful, dirigida por el mejicano Alejandro González Iñárritu y protagonizada por Javier Bardem. Este film, rodado en Barcelona, compite por la Palma de Oro con algunos de los cineastas más grandes de la historia. Entre ellos, destacar al iraní Abbas Kiarostami, que presenta su película Copie conforme, protagonizada por la excelente actriz francesa Juliette Binoche y rodada en la Toscana. Los críticos del libro 1001 películas que hay que ver antes de morir destacan tres de los films del cineasta de Teherán: Primer plano (1990); A través de los olivos (1994); y El sabor de las cerezas (1997). Como señala en 1001 películas… el genial crítico de cine Jonathan Rosenbaum, colaborador frecuente de la prestigiosa revista Cahiers du cinéma, “Kiarostami es un maestro en la filmación de paisajes y en la construcción de narraciones semejantes a parábolas, cuyas piezas ausentes exigen la participación de la imaginación del espectador”.

         Si a la presencia de Kiarostami le sumamos la de Bertrand Tavernier, con La princesse de Montpensier; o, en el apartado Una cierta mirada (Un certain regard), la de Manoel de Oliveira, con O estranho caso de Angélica; o la de Jean-Luc Godard, con Film Socialisme, no cabe duda de que esta edición concentra a los grandes maestros del cine más reciente.

         Aunque fuera de competición, también resulta interesante destacar el nuevo film de Woody Allen, You Will Meet A Tall Dark Stranger, que cuenta con actores de la talla de Anthony Hopkins, Naomi Watts o Antonio Banderas. También fuera de competición, pero en la Sección Oficial, estará la miniserie Carlos, del director parisino Olivier Assayas, que aborda la vida del conocido terrorista Ilich Ramírez Sánchez. Destaco en especial esta película porque la anterior producción de este cineasta, Las horas del verano (2008), me pareció un bellísimo retrato del paso del tiempo que, además, reflejaba a la perfección el buen hacer de este director.

Esta edición del certamen será presidida por Tim Burton, que recientemente estrenó en España su esperado film Alicia en el país de las maravillas. El jurado también cuenta con la presencia de la actriz Kate Beckinsale y el puertorriqueño Benicio del Toro, entre otros miembros destacados del mundo del cine.